Что касается камеры, то предпочтительна, как и в большинстве прочих случаев, зеркалка. Если же Вы снимаете в маленьком театре с близкого расстояния, то тогда старенький ФЭД может оказаться оперативнее какого-нибудь заумного «Никона». Хорош моторный привод, но используйте режим непрерывной съемки как можно реже, только когда знаете, что быстрое событие на сцене не проходное, а имеющее значение. В противном случае легко заснять что-то, совсем не относящееся к делу.

Редко удается обойтись без длиннофокусной оптики. При выборе длиннофокусного объектива важным параметром является его светосила. Желательно, конечно, иметь как можно более светосильный объектив, но с увеличением светосилы их цена растет в какой-то ужасающей прогрессии, также увеличиваются масса и габариты. Преимущества таких объективов проявляются обычно только на съемках с большого расстояния, например, с балкона. Если Вы выхватываете «крупняки», находясь вблизи от сцены, то длиннофокусный объектив приходится диафрагмировать, и, бывает, значительно: актер легко может выскочить из ГРИП в момент, когда Вы нажимаете на спусковую кнопку. (Я практически никогда не открываю диафрагму шире 5,6, не только в театре, но и при прочих съемках, такая у меня привычка). Движения актеров надо уметь предугадывать. В общем, хорошо быть готовым заранее ко всему. Я считаю, что съемки «с наскока» непродуктивны. Во-первых, спектакль нужно понять, а для этого требуется время, иногда большое, а во-вторых, запомнить выигрышные моменты мимики, света, мизансцен и пр.

Опыт показывает, что в театрах средних размеров можно сделать немало приличных снимков одним объективом в 135 мм. Я не призываю быть аскетом вообще, но на первых порах ограничьте себя в технике как можно жестче. Не надо лихорадочно менять объективы, Вы потеряете драгоценное время. Снимайте одним-двумя объективами.

Несколько слов о зумах. Даже опытных фотографов они могут сбивать с толку, и не только в театре. Крутить колечко трансфокатора можно сколько угодно, ведь это так интересно! Если в Вашем распоряжении только зум, а теперь это вполне обычная ситуация, попробуйте склеить кольцо трансфокатора с корпусом объектива скотчем на каком-то одном фокусном расстоянии[90]. Да-да, не смейтесь. Это действительно может помочь. Или, по крайней мере, зуммируйте в узких пределах.

В съемочных точках особого разнообразия нет. Хуже всего снимать через головы, сидя в партере. Снимают обычно из проходов и с первого ряда балкона (жаль, но он есть далеко не во всех театрах). Закулисные точки быстро приедаются, но ими нужно пользоваться, если они обещают что-то интересное. Довольно удобно фотографировать с первого ряда партера, когда сцена невысокая. Ракурс в театре, как правило, выглядит надуманно.

Не всякая цифровая камера «потянет» высокую чувствительность, а если и «потянет», качество может оказаться ой-ей-ей. Так что снимать на пленку — не самый худший вариант. Цвет в театре нужен не всегда, обычно он только отвлекает, да и нужный конверсионный фильтр «съедает» почти две ступени чувствительности. Итак, выбираем черно-белую пленку[91].

Перед съемкой посидите на спектакле с экспонометром и приценитесь. Делая замеры на репетиции, есть риск ошибиться: даже на генеральном прогоне осветители могут чуть-чуть недодать света (другое дело — съемка репетиций вообще, рассказ о том, как спектакль создавался. Пожалуй, это даже интересней съемки самого спектакля; но всегда нужно выяснять, со светом будет репетиция или без). На визуальную оценку не надейтесь. В театре оценить экспозицию «на глазок» труднее, чем на пленэре. Прикиньте, какой оптикой будете снимать, ведь чем больше фокусное расстояние объектива, тем меньше должна быть выдержка. Подумайте также о выдержке, исходя из внешней динамики действия. Одно дело снимать драму, другое — балет. Решите, сможете ли Вы применить штатив. Он сковывает, но можно многое сфотографировать с его помощью, особенно с балкона солидным длиннофокусником. Для повышения устойчивости есть и другой прием. Можно опустить объектив на ограждение балкона и, таким образом, снимать с рук, но с упором. Неплохо подложить под объектив какую-нибудь ткань — носовой платок, например, особенно если ограда металлическая, но это хлопотно. К тому же платок легко может упасть на голову кому-нибудь из зрителей в партере, что вряд ли его обрадует. Существуют еще компромиссные решения: монопод (одноногий штатив, на него можно только опираться), и упор с темляком (телескопическая трубка, на верхнем конце которой крепится аппарат, а на нижнем — темляк, который Вы надеваете на шею.) Эти приспособления позволяют значительно увеличить выдержку.

Так с какой выдержкой снимать? В основном применяется 1/60 (при условии, что съемка ведется длиннофокусником со штатива или штатником, либо широкоугольником с рук). Опыт позволяет оценить динамику действия и выбирать выдержку. Многие спектакли можно снимать на «тридцатке». Может понадобиться и 1/125, хотя реже (для балета и она может оказаться длинной). Выдержка 1/60, можно сказать, универсальная — для средних случаев.

Что ж, Вы выбрали подходящую по чувствительности пленку. Сейчас с этим просто, не то что раньше. Хороши пленки с переменной чувствительностью, но, чтобы достичь ее максимума, тоже может потребоваться проявление с «вытягиванием». Традиционный способ таков: проявитель разбавляется, время обработки увеличивается. Температуру раствора обычно поднимают до 22° (для фенидонгидрохинонового проявителя это обязательно, при меньшей температуре фенидон просто не будет «работать»), но при этом возникает опасность роста вуали.

Для повышения чувствительности популярны фенидонгидрохиноновые проявители традиционного типа, но ее можно повысить также и многими другими проявителями. Проявителем СТ-2 можно добиться на некоторых сортах пленок двух-трехкратного увеличения чувствительности при разбавлении 1+1, 1+2. Фенидонгидрохиноновый проявитель дает эффект «вытягивания» примерно до 3 ступеней. Впрочем, гарантии нет никакой. Разные фотоматериалы «тянутся» совершенно по-разному. Придется сделать несколько проб[92].

Ну и, наконец, об этике. Хотя говорить тут, в общем-то, нечего. Понятно, что люди пришли смотреть спектакль, а не на Вас. Ничто так не раздражает в театре, как прыгающий по залу фотограф, в особенности перед самой сценой, громыхающий штативом, жужжащий дедушкиным электроприводом, роняющий то и дело бленду и прочие приспособления и постоянно полыхающий блицем с ведущим числом в районе 50-ти или больше. Думаю, Вы так себя не поведете. Помните о том, что, снимая самый наигениальнейший кадр, Вы не имеете права никому мешать. В частности, это относится к применению вспышки. В серьезных театрах это попросту запрещено. Более того, может быть запрещена сама съемка. Мне эта точка зрения непонятна, но ведь когда мы приходим в гости, то ведем себя по правилам хозяев. В таком случае необходимо переговорить с администрацией и попытаться получить разрешение на съемку.

Где правда, где ложь? Можно ли сказать, что «аналог» правдивее «цифр»?

Раньше любой фотомонтаж (кроме впечатывания неба и тому подобного) могла «расколоть» любая достаточно грамотная экспертиза. Фотошоп позволяет работать «без швов». Это настораживает.

Сам по себе цифровой снимок является подобием натуры в той же степени, что и аналоговый. Вот обработка… А что, скажете Вы, аналоговые фотографии тоже ретушировали, и зачастую чрезмерно. Грамотная ретушь на пластинке была незаметна на позитиве. Ательешное фото как было слащавым, так им и осталось. Так что вроде бы ничего не поменялось. Что это я распаниковался?

Вопрос начинается вот с чего: быть. Немногим это удается. Большинство людей, подавляющее большинство, и не люди вовсе, а фантомы. Неважно, какими камерами они снимают, пленочными или цифровыми, и снимают ли вообще. (Намекнув о своей «нелюбви» к «цифрам», я, конечно, загнул). Чтобы получить настоящий снимок, нужно самому быть настоящим. Я пишу для них. Фантому мою книгу не понять[93].