Австрийский художник Карл Шух большую часть жизни провел в Германии, Италии и Франции. Он является одним из самых значительных колористов среди мастеров рубежа XIX–XX веков. С 1882 по 1895 живописец жил в Париже, где впервые познакомился с творчеством Клода Моне. Шух сравнил гениального француза со своим самым большим кумиром — Рембрандтом и навсегда остался верен творчеству этих двух гениев европейского искусства. Неоклассический темный благородный колорит картины и традиционный для натюрморта сюжет ярко свидетельствуют о творческих ориентирах мастера. С большим вниманием выписана фактура предметов, и с видимым наслаждением изображена игра света в стеклянном бокале.

Французский художник Поль Гоген оставил яркий след в истории искусства XX века. Одним из самых популярных циклов его работ стало изображение жизни крестьян региона Бретань у Атлантического океана. Эта местность славилась своими древними традициями, сказками и легендами, оригинальным колоритом. Неудивительно, что она привлекла внимание мастера, который всю жизнь стремился к особой культуре, традиционному укладу, бежал от цивилизации, искал простоты и вековой мудрости людей, выросших в природе.

Работа дает наглядное представление о ранней постимпрессионистической манере ее автора. Специалисты называют метод, который он выработал во время создания этого цикла, «бретонским синтетизмом». Художник делает фигуры плоскими, отказывается от классической перспективы, становящейся для него символом рассудочной западной цивилизации. Силуэты крестьянских женщин написаны так, будто это не живые люди, а почти магические существа, идолы вне времени и пространства. Следует обратить особое внимание, что живописец использует контрастные краски: красный, зеленый, голубой. Манера письма еще импрессионистическая, он пока не использует локальный, сплошной цвет. Общий колорит картины несколько выбелен, что придает полотну подобие гобелена. Мастер словно помещает девушек вне бытовой жизни. Уже через год после написания этой работы Гоген отправился в свое первое экзотическое путешествие на Панаму и Мартинику. Именно неклассический мир тропиков со своими многовековыми местными устоями станет его настоящим домом.

Поль Гоген является одним из самых ярких представителей постимпрессионизма в истории искусства. Наибольшую популярность и славу он приобрел после того, как открыл для европейской публики особый колорит и художественные традиции тропических стран. Именно там мастер выработал стиль, который назвали «синтетизм» Гогена. В это понятие входит использование ярких красок, смелых цветовых контрастов, упрощенных форм, стремление к плоскостности, лаконизму и аскетизму в деталях. Предпочтение отдавалось простым впечатлениям и открытым эмоциям, поэтике мудрой жизни бедняков и туземцев.

В 1887 Гоген отправился в свое первое путешествие на экзотический остров Мартиника. Именно там он понял, что для творческой работы ему требуются уединение, бегство от тягот и суеты европейской жизни. Стилистически пейзаж выполнен в авторской манере, развитой еще в Бретани: небольшие, жестковатые мазки, образующие плотную фактуру изображения, и преимущественно темная, чуть выцветшая красочная палитра. Довольно быстро художник столкнулся с тем, что приемы импрессионизма не подходят для сочного великолепия щедрой тропической природы. Болезнь и отсутствие работы не позволили Гогену долго оставаться на острове, после серьезной болезни мастеру пришлось покинуть тропический рай.

Фриц фон Уде — известнейший художник Германии рубежа XIX–XX веков. Данная картина представляет социально-критическую сторону его творческого наследия. Молодая бедно одетая пара медленно ступает по размытой дороге в сгущающихся сумерках. Беременной жене с трудом дается каждый шаг, ее поддерживает супруг. Несмотря на беглые мазки кисти и общую раскрепощенную манеру нанесения красок, сближающие живописца с импрессионизмом, детали прописаны довольно точно и последовательно. Одиночество и неприкаянность пары соответствуют состоянию окружающей природы. Пейзаж вокруг, темнота, дождь и неустроенность призваны символизировать настроение героев. Художник снабдил мужчину атрибутами столярного дела, чтобы зритель мог судить о его профессии. Эту характеристику, на которой мастер заостряет внимание, можно объяснить двумя мотивами: в период написания картины среди плотников и столяров царила безработица, так что она может рассматриваться с точки зрения социальной критики. Еще один заключается в том, что фон Уде посвятил большую часть своего творчества живописи на религиозные сюжеты и первоначально назвал эту работу «Путь в Вифлеем». Это, безусловно, наделяет ее сильнейшими библейскими аллюзиями. Незамысловатая, казалось бы, сцена мыслилась художником символически, через бытовую канву сквозит непреходящий смысл, общечеловеческое значение. Эмоциональные и даже нравственные аспекты восприятия этого произведения усиливает то, что дорога, по которой тяжело идти героям, теряется вдали и не имеет конца.

Бельгийский живописец Фернанд Кнопф по праву приобрел всемирную славу одного из самых ярких художников-символистов Европы. Он взял название для этой картины из стихотворения английской поэтессы Кристины Россетти. Она была сестрой Данте Россетти, английского художника-прерафаэлита. Данное направление было близко Кнопфу.

Представленная работа дает наглядное представление о ценностях искусства символизма. Она полна значимых, говорящих символов, призванных поведать зрителю о тайной жизни бессознательного, души человека, его подчас неосознанных мечтаниях, а также поэтически осмыслить роль самого художника как вдохновленного знатока этого внутреннего мира. Упомянутое стихотворение посвящено скрытым силам в душе женщины, которая одновременно стремится сберечь свои тайны и ждет, как гласит его название, «Кто выпустит меня». Интерьер, безусловно, обозначает внутренний мир, душу, а дверь ведет, несомненно, во внешний мир, в реальную жизнь, которая полна соблазнов и угроз.

В творчестве Кнопфа, что свойственно и символизму в целом, важную роль играет интерес к сферам сна, подсознания, гипноза, мистики. Зрачки героини нарисованы так, что видно, что в действительности она спит наяву, изображен слепой, одурманенный, «месмерический» взгляд. Важную роль в общем строе картины играет скульптурная голова бога сна Гипноса, оригинал которой хранится в Британском музее в Лондоне. Интересно, что Кнопф сам вылепил ее копию и запечатлел реплику в нескольких работах. Бог сна был для него важным символом, ведь художник увлекался гипнотическими сеансами. Цветы тигровой лилии также могут многое сказать о концепции картины: в противовес белой лилии — символу Богородицы и невинности — образ тигровой несет эротические аллюзии, восходящие к ветхозаветным текстам Песни песней. Так, картина создана автором из нескольких значимых слоев, наполнена смыслами, уводящими далеко за ее визуальную повествовательность.

Представленное полотно — одно из самых известных произведений знаменитого немецкого художника-символиста Франца фон Штука. Его сюжет и символика одновременно просты и многозначны. Женщина со змеем, олицетворяющая грехи и человеческие пороки, написана в чрезвычайно темных тонах. Белым ярким пятном представлена ее нагота. Лицо героини неприятно-серого цвета, в ней сразу ощущается что-то порочное, взгляд одновременно спокоен, а из-за серого цвета настораживающе зол, демоничен. Живописец обыгрывает и библейский образ Евы. Очень характерным для большей части искусства символизма служит тот факт, что узнаваемый, хорошо прочитываемый символ и ассоциации воздействуют на зрителя с помощью художественных средств — колорита, композиции, усиливая общее впечатление. Показательно, что автор сам изготовил оригинальную, кричащую своим богатством с декадентским акцентом раму. Зрителю становится понятно, что грех прячется под яркими роскошными одеждами.